À PROPOS

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Un texte profond et actuel qui raconte l’histoire de ROSA, une femme qui pourrait être n’importe quelle femme et qui tente de comprendre pourquoi tout a dérapé. Célèbres ou anonymes, les femmes latino-américaines d’hier et d’aujourd’hui ont beaucoup à dire.

S’appuyant sur la puissance évocatrice et métaphorique de la musique et de la vidéo, Rosa est le portrait d’une femme latino américaine, un personnage sortie d’une peinture de Débora Arango, de Frida Kahlo, une voix qui s’élève avec rage tel un chant de Violeta Parra. Cantonnée au carcan du foyer ou esclave des codes du néolibéralisme, censurée dans ses désirs et parfois conduite à l’exil, Rosa survie dans un pays qui navigue entre les promesses d’émancipation économique et la violence d’un modèle capitaliste imposé par les États-Unis. La pièce de Cristián Soto dépasse les frontières et les codes culturels pour nous livrer un regard profond de notre société au travers du journal intime et incarné d’une femme battue.

Claudia Urrutia portera et incarnera tout un bagage d’histoire - personnages, signes et images de l’Amérique Latine - pour déconstruire la réalité et la sublimer dans une fête de la vie et de la mort. Car les survivantes de l’enfer latino-américain nous ont laissé un imaginaire vital, une sorte de « réalité magique » où tout devient possible, et dans lequel les contraires se nourrissent les uns des autres, pour le pire comme pour le meilleur.

Note de mise en scène

Cristián SOTO, metteur en scène et auteur

Tous les jours en Amérique Latine des combattantes anonymes sortent dans la rue, à la recherche de leurs enfants disparus, de leurs filles enlevées, de toutes ces vies arrachées. Les femmes prennent en main leur vie, deviennent porte-paroles de leur communauté, et quand l'une d'entre elles se trouve réduite au silence, abattue ou assassinée, une nouvelle voix se lève pour continuer le combat. Rosa est une femme modeste, comme sortie d’un tableau de Debora Arango, qui souffre de sa solitude, de l’absence de ses proches, mais aussi du système néolibéral dans lequel elle vit.

La comédienne nous présente la vie de cette femme anonyme. Dans son portant à vêtements la comédienne s'empare de costumes pour retourner dans son enfance, devenir mère ou bien jouer avec la mort. En évoquant une enfance marquée par la dictature militaire, en détaillant son évolution personnelle, elle montre en acte comment des générations de femmes ont dû se battre pour échapper au machisme ordinaire, sortir des rôles imposés, et rêver d’une autre existence.

Je cherche une esthétique de l’excès et du mélange, pour transmettre notre vision de l’Amérique Latine, où les fêtes se tiennent souvent au bord d'abîmes de souffrance ; où les joies s'expriment par une sorte de folie baroque. Nous avons grandi avec des femmes qui viennent de contextes sociaux difficiles et qui malgré tout se sont battues pour nous transmettre la beauté et nous inviter à la célébration de la vie !

Distribution

Texte et Mise en scène : Cristián Soto

Jeu : Claudia Urrutia

Scénographie et accessoires : Violette Graveline

Création musicale : Igor Quezada

Vidéo : Michel Coste

Régie et création lumière : Nicolas Masset

Production Zumaya Verde.

Avec l'aide du Conseil Départemental du Puy de Dôme et de la Ville de Clermont-Ferrand. En résidence de création à La Cour des Trois Coquins et L'espace Nelson Mandela à Clermont-Ferrand.

Co-productions Espace Paul Jargot à Crolles et l’Espace du Moulin de l'étang à Billom. Partenaires Maison des Loisirs et de la Culture de Billom et le Collectif Autour d'elles.

Conception Scénographique

Violette GRAVELINE, scénographe et artiste plasticienne

Le travail scénographique de la pièce est multiple: il concerne la construction de l’espace de la pièce, la fabrication des accessoires et des costumes mais aussi la projection vidéo en direct des actions se déroulant sur le plateau. Celles-ci apparaissent devant nos yeux et suivent la progression du récit, l’image nous permet ainsi de matérialiser les souvenirs de Rosa et la plasticité du corps de la comédienne. L’image vidéo devient alors l’espace du sensible et de la métaphore lorsque la réalité se révèle trop brute et violente.

Le plateau devient l'espace mental du récit, évoquant des lieux et leur temporalité sans chercher à les représenter complètement, offrant ainsi une liberté dans le jeu et la transformation des objets et une interprétatation ouverte à l'imaginaire de chacun.
Nous avons imaginé trois éléments qui composent les espaces successifs du récit : un portant à vêtements, un écran vidéo et des tapis au sol, et un dispositif de plusieurs caméras qui permettent de passer d'un espace à l’autre, de changer d’échelle et de plan pour faire vivre les images et symboles qui s’expriment au travers de la parole de Rosa.

La présence de la vidéo, de l’écran, des micros et des caméras permet un réel choix esthétique, celui de la multifocalité. Cette dernière sera tour à tour celle de la surveillance, de la fragmentation de l’individu, de son hyper-présence en tant qu’image (selfie), de la parole politique et engagée. Ce dispositif permet à la comédienne de déployer pleinement son jeu, d’utiliser et d’épuiser les possibilités de l’espace et inversement: toujours à vue, elle évolue sur ce plateau comme dans un « laboratoire de télé-réalité ».

L’espace peut devenir une chambre, ou même, une ville fantôme du Chili. La scénographie mêle la rigueur et la hiérarchie des dispositifs télévisuels occidentaux avec un espace plus ouvert et en mouvement qui serait celui d’une arrière salle latino-américaine ; le rideau s’ouvre, la danse burlesque de l’Amérique latine commence.

Équipe artistique

Cristián SOTO, comédien, metteur en scène & auteur de théâtre

Cristián Soto né à Talca (Chili) en 1974. Comédien, metteur en scène et auteur de théâtre. Diplômé de la formation supérieure d’Art Dramatique de l’Université Catholique du Chili et titulaire d’un Master d’Arts, mention Arts de la Scène, de l’Université Paris 8-Vincennes-Saint-Denis. Ses textes de théâtre ont été publiés au Chili, au Mexique et à Cuba. En 1998, son texte Nemesio Pelao, qu’est-ce qu’il t’est arrivé ? obtient le premier prix du concours de dramaturgie de Valparaíso. Un an après, Andrés Pérez décide de monter la pièce, dans une mise en scène qui vaut à l’auteur une nomination au prix APES (Association des journalistes du monde du spectacle) dans la catégorie « Révélation Théâtrale ».

En 2010, il joue aux côtés d’Isabelle Huppert dans la pièce Un Tramway, mise en scène par Krzysztof Warlikowski. Le texte français est de Wajdi Mouawad, d’après l’œuvre de Tennessee Williams, au Théâtre de l’Odéon à Paris et ensuite une tournée internationale.

En 2011, David Bobee invite Cristián Soto à écrire le texte This is the end pour le spectacle de fin d’étude de la 23ème promotion du Centre National des Arts du Cirque (CNAC) de Châlons-en-Champagne.

En 2013 Séisme sa dernière création, est présentée au Théâtre Le Grand T, à Nantes, dans une mise en scène de l’auteur. En 2014, son texte Santiago High Tech est mis en scène par Francisco Krebs et Fernando Ocampo au centre culturel GAM à Santiago du Chili. Plus d’information www.cristian-soto.com

Claudia URRUTIA, comédienne, chanteuse & plasticienne

Claudia Urrutia née à Antofagasta (Chili) en 1976. Elle commence son chemin comme comédienne et chanteuse au Cercle d’art Manuel Duran Diaz dirigé par l’écrivain Eduardo Diaz Espinoza et au Théatre Taquis dirigé par Mario et Teresa Bernal. Elle poursuit des études supérieurs d’art dramátique à l’université catholique du Chili, à l’université de São Paulo au Brésil et à l’école de Jacques Lecoq à Paris. Ainsi, plusieurs personnalités ont marqué son parcours, sur des sentiers toujours proches du théâtre, de la danse et de la musique populaire : Guillermo Angelelli et Oscar Zimmerman pour le travail du clown, Jean Marie Binoche et Carlo Boso pour le jeu masqué, Mariela Mena pour la danse afro-colombienne, Oriana Salinas (sa mère) et Magdalena Amenabar pour le chant, et finalement Barbatuques pour la percussion corporelle brésilienne.

Elle a joué entre autres sous la direction de Willy Semler, Ramón Nuñez, Adel Hakim, Enrique Buenaventura, Cyril Griot, Dominique Freydefont et Françoise Glière. Depuis 1998 elle partage son travail artistique entre le théâtre, le chant et l’enseignement (Chili, Colombie, France). Elle est également plasticienne, formée à l’Ecole Supérieur d’art de Clermont Métropole. Actuellement elle travaille avec plusieurs compagnies de la région auvergne.

Violette GRAVELINE, scénographe & plasticienne

Scénographe et plasticienne, Violette Graveline s’est formée à l’Ecole Boulle à Paris, aux Beaux-arts de Lyon puis à la Haute École des Arts du Rhin de Strasbourg. La scénographie est pour elle la dramaturgie de l’espace, una page blanche sur laquelle des symboles s’imprègnent, un souffle s’incarne, un corps transpire, une parole s’exprime.

Elle pense la scène comme un espace mental, comme l’endroit où s’articulent et se confondent sens, émotion et temps. La scénographie permet alors de donner un lieu aux choses et aux phénomènes, de créer des combinaisons poétiques entre un espace, des spectateurs, un texte, des matières, des voix, des corps, des lumières, des rythmes, imprégnant de leurs écritures le plateau.

Violette Graveline fait partie des 12 membres fondateurs de SCENOPOLIS, collectif de jeunes artistes-scénographes réunis autour du festival éponyme crée en juin 2015 à Strasbourg.
Elle y a créé la pièce "01h39" mêlant ses recherches sur le rêve, les états modifiés de conscience et l'hypnose.
Au travers de Scenopolis, elle a également travaillé sur la conception et la mise en scène en espace d’une scène acoustique pour les Eurockéennes de Belfort en 2016, sur une installation artistique et performative au sein de la COOP, friche industrielle du port du Rhin pour l’eurométropole de Strasbourg, ainsi que sur la création lumière de l’opéra « Cavalleria Rusticana » avec l’Ensemble Lirico Spinto.

Igor QUEZADA, musicien & compositeur

Né à Bordeaux en 1979, durant l’exil politique de ses parents sous la dictature de Pinochet, Igor Quezada grandit dans la musique traditionnelle chilienne. À ses 7 ans, il retourne vivre au Chili où il continue l’apprentissage du folklore auprès de sa mère, chanteuse, et de sa grand-mère, fondatrice d’un groupe de Cuecas. Adolescent, il créé plusieurs groupes de fusion latine, épaulé de Pedro Yañez et Francisco Araya. Le rock, puis le rock progressif viendront s’ajouter à son parcours pendant ses études secondaires.

En 1998, il revient à Bordeaux pour étudier, à l’université puis aux Beaux Arts. Chanteur/guitariste de Guaka depuis 2005, il fait la connaissance d’Ana Maria Venegas en 2009 et intègre la compagnie Théâtre au Vent, et l’accompagne sur les planches dans «Paquita de los Colores».

2011 est la rencontre avec le metteur en scène Libanais Wajdi Mouawad qui lui propose de remplacer Bertrand Cantat dans le rôle du chœur dans la trilogie de Sophocle intitulé « Des Femmes ». Suite à cette première expérience, il participera à la composition du prochain volet de Sophocle « Des Héros » ou il tiendrait aussi le rôle du Coryphée dans la pièce Œdipe Roi. « Le Temp du Serpent » devrait encore compter avec sa participation dès 2018.

Le groupe Guaka reste tout de même son projet principal avec qui il vient de sortir un tout nouvel album intitulé « Made in Bordeaux ».

Michel COSTE, artiste plasticien multimédia

A l’origine de plusieurs manifestations sur l’image, longtemps formateur dans le domaine de l’audiovisuel (du primaire à l’université) il développe sa vision personnelle de la vidéo et des images numériques depuis 25 ans dans différents domaines de création : réalisation d’une vingtaine de films d’art vidéo, exposition d’une trentaine installations vidéo, participation à une quinzaine de spectacles vivants et une soixantaine d’expositions de photographies et d’estampes numériques

« Chez Michel Coste toute matière a une mémoire...Trafiquant de trames, modeleur de vidées, amant de l’image et du spectacle, il est avant tout un polytechnicien du vivant, expérimentateur scénographique...La vidéo de Michel Coste est un théâtre de geste, un univers de signes électroniques tracés. »

« L’art de Coste ? Parler en temps de guerre un langage de paix. La langue des images simultanées, servies chaudes aussitôt que taillées dans le vif de la réalité. Coste la module à l’envers, plus vite ou plus lentement, affaire de stratégie. Et surtout en silence, Alors chut ... écoutons ! N’entendez-vous pas, mes yeux, le bruit paisible des électrons ? J.P. Fargier - Juillet 93 (critique Art press.)

Contact : m-coste@wanadoo.fr michelcoste.blogspot.com/

http://www.erya.info/artistes/coste/index.html

Nicolas MASSET, créateur & régisseur lumières

Depuis 10 ans, Nicolas Masset réalise des créations-lumière pour des spectacles de théâtre. Il s’est formé à la régie-lumière en travaillant régulièrement pour plusieurs structures dont La Baie des Singes et l’Opéra-Théâtre municipal. Il s’occupe maintenant de la création et de la régie lumière pour plusieurs compagnies de la région Auvergne : La Transversale, Le Souffleur de Verre, Les Guêpes Rouges, Gare à l’art, Lili Label Cie, et la compagnie DF. Il participe en outre de façon plus ponctuelle à des projets expérimentaux en salle, en plein air, et pour des évènements particuliers.